Jojo Rabbit

I love Taika Waititi. He is a very talented director, his movies always make me laugh and, as an actor, he also plays great and funny characters. For those reasons, and as a Taika Waititi fan, I was really looking forward to seeing this movie. I thought it would be similar to one of his first films, Hunt for the Wilderpeople, but even funnier and weirder. After all, this is a movie about a little boy who wants to be a Nazi and has Adolf Hitler as his imaginary friend. However, I never thought I would leave the theater with tears in my eyes. But I did. I cried a lot while watching this movie. I also laughed several times, but I knew I was going to do that. What I didn’t know is how emotional and touching this movie would be.

Now, to be honest, this movie is not perfect, and most people won’t believe me when I say that, in my opinion, the script’s comedy aspect was the weakest element in the film. That doesn’t mean that the movie isn’t funny. It is. As I said, I laughed a lot and, as we all know, Waititi’s comedic skills are always on point. To me, there are two problems with the comedy: the first one is that the funniest jokes are in the trailers. That’s obviously not a problem the movie has, but more a problem that the movie has developed. Those jokes are great, but I’ve already heard them, so they don’t have the same impact on me as they did when I first saw the trailers. There are other gags in the movie, but they are not as funny as the ones I already knew.

My other problem with the comedy is that, at a certain point in the movie, something truly shocking occurs and, from that moment on, the movie becomes a very dramatic World War II story, in which the comedy doesn’t really fit. In the third act, after THAT thing has happened, Waititi keeps trying to introduce comedic elements in the narrative, but it doesn’t work. And the thing that surprised me the most was the fact that those elements weren’t really necessary. In fact, even without that characteristic Taika Waititi comedy, the third act is actually my favorite part of the movie. So, let’s talk about the great stuff.

Jojo Rabbit tells the story of a young German boy who discovers a Jewish girl hiding in his house. These events take place during the end of World War II when Germany was about to lose. Waititi focuses the story on the relationship between the girl, whose name is Elsa, and Jojo, creating a very funny and cute dynamic between the kids. The scenes between these two characters, played by Roman Griffin Davis and Thomasin McKenzie, are the best moments in the film and the way you see how their relationship grows is absolutely incredible. I can’t say enough good things about both actors and the amazing job they did with their part, especially the young Roman.

Waititi’s script really shines during these scenes, showing how good he is at writing real people. People with fears and doubts, but also with hearts. Waititi’s characters are funny, yes, but that’s just one of the layers. They are very realistic and relatable, and that’s what I love about him as a filmmaker, even more than his comedy.

One of the greatest elements in this movie is the acting. The whole cast does a great job. Rebel Wilson and Sam Rockwell both have small roles, but they also have great lines. Waititi is also great at playing imaginary Adolf Hitler, even though his role is not as large as I thought it would be. However, Scarlett Johansson is the one who stands out in this film, alongside Roman and Thomasin. One of the reasons why she shines and steals every single scene she’s in is because her character is perfectly written and has the best lines in the movie. The other reason is that she simply does an amazing job with her part, portraying a very kind and caring mother who is also trying to do some good. And that was one of the things I really liked about her character: she wasn’t just “the mom” in the story. She was a complex human being, not only a plot device.

As I said before, I don’t think this movie is a masterpiece. It’s not a perfect movie. But I love it as it is. I think that the good elements of the film are very good, and the bad parts are just not that good, but they are not horrible. Jojo Rabbit is a very touching, funny and entertaining story, with great characters and a beautiful message. This is probably one of my favorite Taika Waititi’s films to date, and I’m sure that, if you like Waititi’s filmmaking style and humor, you will love this movie as well.

1917

A lot has been said about 1917. This movie has won the Golden Globe for Best Picture and it looks like it could win the Oscar too. At this point, there’s nothing I could say to convince you to watch the movie. If you want to see it, you’ll see it. However, as someone who doesn’t really enjoy war films in general, I was surprised when I left the movie theater and found myself loving the film.

1917 excels in every single aspect, but I’m sure that everyone will agree that the camerawork is probably the most spectacular. A short clip from the making of the movie has been going around the internet, showing how they filmed one of the scenes from the third act of the movie. That specific scene is probably the best sequence in the entire movie, and I think everyone should experience it in a movie theater. Mendes uses the fluid camera with no cuts to immerse us, the viewers, into the action and the horrors of war. And it works. The coordination behind that sequence is astonishing, but the movie is full of those kinds of scenes, and all of them are great. In fact, from beginning to end, I was at the edge of my seat, thanks to Mendes’ ability to build the tension.

The cinematography and the music are brilliant too. Roger Deakins creates shots that are visually stunning, and Thomas Newman’s original score is one of the most memorable elements in the movie, especially during that sequence I discussed before.

The cast is good. Dean-Charles Chapman and George MacKay do a great job, and there are a lot of well-known faces making brief cameos along the way. I ended up loving MacKay’s character, especially when you consider how he begins the film, not wanting to go to that mission. His friendship with Chapman’s Blake was very well developed, and that development helps us to connect more with the characters. This is one of the reasons why I also think that the sequence where MacKay is running across the field really works. You have a personal connection with the character, especially after everything he’s been through.

1917 is a great movie. If you enjoy period pieces and war films, you will love this movie for sure. But even if you are not a huge fan of the genre, try to give this film a shot: 1917 is a very entertaining war adventure, technically incredible, with great action sequences and character moments.

Overlord

A sólo unas horas del Día D, un equipo de paracaidistas estadounidenses llega a la Francia ocupada por los nazis para llevar a cabo una misión que es crucial para el éxito de la invasión. Encargados de destruir un radiotransmisor encima de una iglesia fortificada, los desesperados soldados unen sus fuerzas con un joven aldeano francés para penetrar en las murallas y derribar la torre. Pero, en un misterioso laboratorio nazi debajo de la iglesia, los superados soldados se enfrentan cara a cara con enemigos nunca vistos en el mundo.

J.J. Abrams sigue siendo uno de los productores más prolíficos que podemos encontrar actualmente. Y sí, este año nos ha traído algunos grandes productos como “Castle Rock” o “Misión Imposible”, pero también debemos recordar que estuvo detrás de cierta cinta sin sentido llamada “La Paradoja Cloverfield”.

Sin embargo, y aunque “Overlord” no es una maravilla cinematográfica, es una de esas películas que los amantes del género bélico disfrutarán de principio a fin. En cuanto a aquellos que venían buscando zombies… puede que se lleven una no muy agradable sorpresa.

Sí, “Overlord” tiene un guion bien estructurado y desarrollado, con ideas bastante interesantes, aunque no muy originales. A pesar de ello, no es precisamente el guion lo que sostiene la cinta. Julius Avery es el director de la cinta, y aunque este sea tan solo su segundo largometraje, hay que admitir que realiza un buen trabajo, en especial, con las escenas de acción.

La secuencia inicial y el último acto son las mejores partes de esta película, y dónde se demuestra el enorme potencial que podría tener una secuela (¡queremos más zombies!). Porque sí, los zombies salen más bien poco, lo que es una decepción si venías buscando una película al más puro estilo de Call of Duty: Zombies. Aun así, creo que una segunda entrega podría arreglar esto y darnos a los amantes del género una gran batalla entre soldados y zombies, aunque fuera únicamente en el último acto.

En cuanto a los personajes, es realmente sorprendente lo bien desarrollados que están la mayoría de ellos. Al principio no parece que ninguno de los protagonistas vaya a escapar de las garras de los clichés y los tópicos, pero a medida que avanza la historia nos prueban lo equivocados que podíamos estar. No es que sean unos personajes memorables, pero al menos podemos ver atisbos de complejidad en ellos.

En general, “Overlord” es una buena película bélica, entretenida y muy gore. Puede que no sea lo que algunos (como yo mismo) esperaba, pero tampoco es el desastre que podría haber sido. Una película que se disfruta hasta el final y que posee potencial para más. Y sí, puede que os llevéis algún que otro susto.

NOTA: 7.5

Predator

Los cazadores más letales del universo son ahora más fuertes, más inteligentes y más mortales que nunca, gracias a las modificaciones genéticas de su ADN, mezclado con el de otras especies. Cuando regresan a la Tierra, solo un grupo de soldados no muy cuerdos y una científica sin miedo podrán detener a esta peligrosa criatura. 

Shane Black, conocido por cintas como “Iron Man 3” o “Dos buenos tipos”, es el encargado de traer de vuelta esta franquicia que comenzó en 1987, y que ha tenido varias entregas más a lo largo de los años.

Y, a pesar de que el director parece intentar a ratos adaptar la saga a los tiempos actuales, el resultado es una cinta llena de momentos ridículos, personajes planos y sin gracia y una sucesión de efectos especiales que no compensan la falta de una historia original.

Aunque a primera vista parezca un desastre, lo cierto es que esta nueva entrega de la saga tiene algunos puntos positivos, y otros que podrían haberse aprovechado mucho más. La inclusión de un chico autista y la idea de que el autismo es el siguiente paso en la evolución humana es interesante, pero no acaba de encajar del todo en una trama tan llena de testosterona sin sentido.

El principal problema de la historia es que está llena de personajes cargantes y a los que cuando ves morir te alegras de que desaparezcan de la pantalla. Ninguno de los actores, e incluyo a mi pesar al carismático Sterling K. Brown, consigue hacer que sus personajes sean memorables o interesantes. Ninguno. Olivia Munn es la única que se puede salvar, y es que realmente parece ser la única que se toma la película en serio.

Y es que el humor está también fuera de lugar. El 90% de los chistes que hay en la película no son graciosos, o están metidos con calzador en la trama. Y desde luego no ayuda que cada dos por tres haya un personaje riéndose desquiciadamente porque claro, están locos.

Por último, y aunque los efectos especiales están verdaderamente bien logrados, las escenas de acción son poco inventivas, y el tercer acto es sorprendentemente predecible en casi todos los sentidos. Puede que los amantes de la saga lleguen a disfrutar algo de esta película, pero en general, es un producto que no acaba de encajar en el panorama actual, pero que tampoco pasaría por una cinta de acción de los 90. Como digo, el intentar modernizar la franquicia podría haber funcionado, pero dudo que Shane Black fuera el hombre adecuado para hacerlo. “Predator” es una cinta tediosa, sin gracia y con unos protagonistas sin carisma alguna.

NOTA: 3

 

El instante más oscuro

Gran Bretaña. Segunda Guerra Mundial. Winston Churchill (Gary Oldman), recién nombrado Primer Ministro, tendrá que combatir el régimen nazi, que amenaza con invadir toda Europa. En una situación como esa, Churchill se verá obligado a decidir qué es lo mejor para la nación: negociar la paz, o luchar hasta el final.

Dirigida por Joe Wright y escrita por Anthony McCarten, “El instante más oscuro” es una gran película. Todos los elementos que la conforman funcionan a la perfección, juntos, dando como resultado una de esas cintas históricas que perdurarán durante mucho tiempo.

La dirección de la película es uno de sus puntos fuertes. Wright consigue crear una atmósfera perfecta desde el principio de la cinta, y la mantiene hasta el final. Los movimientos de cámara son realmente increíbles, y en ciertos puntos de la película, Wright consigue crear un par de tomas a las que solo podría denominar como mágicas. Son las pocas escenas de guerra que hay en la cinta en las que Wright se permite el lujo de lucirse, y lo consigue.

El guion, por otra parte, está muy bien acabado. Los diálogos entre los personajes están muy bien desarrollados, y ayudan a mantener esa perfecta atmósfera que crea la película. Quizás el único defecto de este sea que, hacia el final de la cinta, la duración de la misma se nota demasiado. Como digo, esto sucede al final, lo que hace que una gran parte de la película no sufra este problema. Sin embargo, es una pena que tenga que suceder, pues es en el último acto de la película donde encontramos una de las mejores escenas de la cinta, y puede que no se disfrute al máximo cuando estás pensando cuánto le queda a la película.

El lo que respecta al reparto, Gary Oldman es un claro ejemplo de una actuación sobresaliente. El actor consigue llenar la pantalla en cada una de las escenas en las que aparece, y el carisma que emana durante toda la cinta es digno de elogio. Desde luego, una actuación digna de cualquier premio que pueda recibir.

El resto de reparto también hace un gran trabajo, y ayuda a que la cinta mantenga la calidad necesaria para triunfar. Kristin Scott Thomas o Stephen Dillane son algunos de los miembros del reparto que más destacan, pero en general todos aportan algo a la película. Sin embargo, Lily James, es quizás la única que no destaca lo suficiente, a pesar de que no realiza tampoco una mala actuación, ni mucho menos. Simplemente es el eslabón débil dentro de un gran reparto.

Por último, y desde luego no menos importante, destacar el trabajo de Dario Marianelli, quien compone la banda sonora de la cinta, y cuyo trabajo hace que el resultado final sea todavía mejor. La música que crea Marianelli no solo encaja con la historia, sino que realza el trabajo de los actores y el director, y ayuda a que el producto final sea tan bueno como lo es “El instante más oscuro”, una cinta que nadie debería perderse, y que, sin lugar a dudas, se convertirá en una de las grandes películas históricas de los últimos años.

NOTA: 9

Dunkerque

Durante la II Guerra Mundial, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeadas por el avance del ejército alemán en las playas de Dunkerque. Las tropas se enfrentarán a una situación totalmente desastrosa, que poco a poco va a peor, mientras el enemigo avanza hasta ellos.

Christopher Nolan regresa a la gran pantalla con esta historia, que se basa en uno de los eventos más relevantes que tuvieron lugar durante la II Guerra Mundial: la evacuación de Dunkerque. Nolan escribe y dirige la cinta, y, aunque ha recibido un centenar de halagos, “Dunkerque” está lejos de ser una obra maestra.

El principal problema de esta película es la historia. La cinta se divide en tres partes, protagonizadas por diferentes personajes: soldados, aviadores, y civiles. Y, aunque es cierto que la cinta no se hace aburrida, aunque sí un poco lenta durante los dos primeros actos, el auténtico problema es que la historia que Nolan quiere contar no da para abarcar tanto metraje. El director y guionista trata de crear diferentes tramas que sostengan la duración de la película, pero solo consigue que los conflictos que tienen lugar durante la película y los personajes principales sean simplemente insípidos.

El problema es que hay muchos personajes, y en ningún momento se centra específicamente en darle un trasfondo a ninguno. Sin duda alguna, TomHardy, Mark Rylance y Kenneth Branagh son quienes realizan el mejor trabajo en la película, a pesar de que no tienen un gran tiempo en pantalla. El resto del reparto no hace un mal trabajo, pero el problema es que sus personajes son realmente muy planos y no resultan atractivos.

“Dunkerque” destaca sin lugar a dudas por su aspecto técnico. Una cinta muy bien rodada, con escenas muy bien realizadas, tanto las de los bombardeos como las de aviación. Y aunque, en mi propia opinión, no hay ningún momento en el que sintiera tensión alguna por lo que pudiera pasar, sí he de decir que la recreación de un ambiente de guerra está bien conseguida.

Y como digo, no es una mala película. El último acto está bastante mejor que el resto de la cinta, y no se hace pesado llegar hasta él. Sin embargo, y en términos generales, creo que “Dunkerque” es una película vacía en cuanto a historia, y eso hace que no pueda considerarla la obra maestra que todos dicen que es.

NOTA: 6

La guerra por el planeta de los simios

César y sus simios son obligados a luchar en una mortal guerra contra los humanos que quedan en este mundo, dirigidos por un despiadado Coronel. Después de que los simios sufran bajas inimaginables, César lucha contra sus propios y oscuros instintos y comienza su misión para vengar a los de su especie. Un viaje que finalmente les situará cara a cara, César y el Coronel se enfrentan en una épica batalla que determinará el destino de ambas especies y el futuro del planeta.

Después de dos películas que narraron el origen y el amanecer del conocido planeta de simios, ahora llega la que debía ser la épica conclusión de la trilogía-precuela, en la que nos presentarían el capítulo final de la guerra entre simios y humanos. Sin embargo, “La Guerra del Planeta de los Simios” no solo pasa a ser la peor entrega de la saga, sino que además nos engaña desde el principio, puesto que lo que sin duda no veremos en esta película, es una guerra entre ambos bandos.

Matt Reeves, quien ya dirigió la anterior entrega de esta trilogía, vuelve a ponerse detrás de las cámaras, además de que en esta ocasión, también está a cargo del guion. Un guion que, sin duda alguna, es uno de los peores elementos de esta entrega.

La historia comienza con una pequeña escaramuza entre simios y humanos, y, aunque no sea nada del otro mundo, parecía que la cinta iba a tomar una dirección que finalmente no tomó. La mayor parte de las decisiones y acciones que tienen lugar en la cinta están totalmente injustificadas, y lo que ocurre en la película, pasa porque sí.

La trama es lenta y soporífera, como si de un capítulo de “The Walking Dead” se tratara. Esos en los que los personajes van de un lado a otro, hablan, vuelven a andar, y fin. Así podríamos resumir la cinta, porque en ningún momento se da a entender que lo que estén haciendo sea relevante.

Además de todo eso, “La Guerra del Planeta de los Simios” es de todo, menos una guerra. Y eso es un problema. En primer lugar, porque si lo que querían era sentar las bases para la película original, podrían haberlo hecho de mil maneras, todas mucho mejor que esta. Y segundo, en ningún momento hay una guerra, como digo, entre simios y humanos. En ningún momento.

Durante la mayor parte de la película, los simios están en un complejo militar, y parece que la película vaya a profundizar en temas morales, como la esclavitud, y cómo la humanidad regresa a sus raíces, realizando acciones que habíamos dejado atrás. Pero no. Las cosas pasan porque sí, sin razón alguna.

El tercer acto, aunque igual de tonto que el resto de la película es quizás el que más se disfruta, ya que es en el que tiene lugar la acción. Pero repito, no esperéis una guerra cruda entre ambos bandos, porque no es lo que obtendréis.

La duración de la cinta tampoco ayuda a hacerla más llevadera, porque es muy larga. Demasiado. Hay fragmentos que perfectamente podrían ser recortados, o incluso eliminados. Esto, unido al hecho de que la película trata de ser en algunos momentos divertida, sin lograrlo, hace que la experiencia sea todavía más aburrida.

Y sí, los efectos especiales de la película son sobresalientes. Sobre todo los que dan vida a César, un papel en el que Andy Serkis demuestra (una vez más), que merece mucho más respeto y reconocimiento por sus papeles con captura de movimiento. Y es que hay momentos en la película en los que realmente estás viendo al mismísimo Serkis, sus expresiones, sus sentimientos.

En definitiva, “La Guerra del Planeta de los Simios” es una película que decepciona, principalmente porque no ofrece lo que se suponía que iba a ofrecer. Es una película que puede llegar a resultar soporífera y aburrida, y llena de tópicos, por todas partes. Y finalmente, lo única por lo que destaca, que es el apartado visual, no es algo que pueda mantenerte atrapado durante más de dos horas.

NOTA: 4

Wonder Woman

Antes de convertirse en Wonder Woman, era Diana, una princesa del Amazonas entrenada para convertirse en una guerrera inconquistable. Criada en una protegida y paradisíaca isla llamada Themyscira, Diana decide abandonar su hogar para hacer frente a una terrible amenaza cuando un piloto estadounidense cae en sus tierras e informa de la existencia de un conflicto masivo en el exterior. Luchando junto a hombres en una guerra para detener el resto de guerras, Diana descubrirá todos sus poderes… y su verdadero destino.

Después de varios intentos de impulsar un universo cinematográfico con los personajes de DC, que no resultaron precisamente exitosos en lo que a crítica se refiere, “Wonder Woman” llega por fin a nuestros cines, no solo para salvar el Universo Extendido de DC, sino para iniciar lo que espero que sea una nueva era en el cine de superhéroes, protagonizada por las más poderosas heroínas.

Patty Jenkis dirige a Gal Gadot y a Chris Pine, entre otros, en esta aventura que nos llevará a la Primera Guerra Mundial, de la mano de nuestra amazona favorita.

Gal Gadot se convierte, si no lo hizo ya en “Batman v Superman”, en la Wonder Woman definitiva. Su personaje tiene una evolución tan grande a lo largo de la película, que ni su compañero Superman ha conseguido en dos entregas. Desde la presentación de Diana como princesa de Themyscira, hasta el final de la cinta, el personaje experimenta un enorme cambio que justifica perfectamente su presencia y su comportamiento en el futuro. Gadot consigue crear tensión y emoción en todas y cada una de las escenas en las que se requiere, pero también tiene una inocencia propia de alguien que no ha entablado contacto con el mundo jamás, y que nos brindará algunos momentos muy divertidos.

Porque si algo tiene “Wonder Woman”, es humor. Un humor que para nada choca con el tono serio de la cinta, que precisamente se ambienta en la Primera Guerra Mundial. Jenkis ha conseguido plasmar toda la crudeza del conflicto, y el guionista, Allan Heinberg, ha sabido combinar a la perfección el toque divertido con las escenas más duras.

Las escenas de acción, en su mayoría, están muy bien logradas. Es cierto que, sobre todo al principio, los efectos especiales pueden resultar un poco inverosímiles, sobre todo por los movimientos que realizan algunos personajes. Pero conforme avanza la cinta, las coreografías en las batallas son realmente increíbles. Sin duda alguna, una de las mejores escenas de la película es en la que Diana se encuentra por primera vez en el frente, en la misma guerra, y la vemos combatir por primera vez con su uniforme. El fondo oscuro y desolado de la guerra contrasta a la perfección con los colores rojos, azul y dorado del traje de la amazona, creando una escena que visualmente, es espectacular.

Los contrastes en la película están muy bien utilizados. Desde la paradisíaca isla de Themyscira, donde abunda el azul claro del mar, el verde de la naturaleza, y el dorado, hasta las escenas en Londres y el frente, donde el gris predomina mucho más que el resto de colores. Pero, sin embargo, no tenemos el problema, que, en mi opinión, tuvo “Batman v Superman”. La oscuridad de la cinta de Snyder era un elemento que te impedía seguir la acción, porque era difícil ver qué pasaba, y ayudaba a tapar esos efectos especiales tan exagerados. En “Wonder Woman” el ambiente gris y bélico son un contraste para el paraíso del que procede Diana, y sirven para cimentar su evolución como personaje.

Si conoces alguna que otra historia del personaje, seguramente la película no te depare ninguna sorpresa. Tenemos a Ares, tenemos el origen de Diana, y si conoces su mitología, seguramente sepas por dónde irá la película desde el comienzo. Sin embargo, y aunque puede que muchas sorpresas no te lleguen a impactar, el camino se disfruta mucho.

La batalla final es quizás el momento más “DC” de la cinta. Es decir, una escena de noche, una batalla espectacular contra el villano, etc… Pero aun así, la emoción que hay presente en toda la escena es mucha más de la que se puede encontrar en cualquier otra cinta del género. Es una escena en la que realmente nos estamos preocupando por lo que le pase a los personajes, a todos. Y en esa escena podremos ver a Diana en todo su esplendor, convirtiéndose sin duda, en el personaje más poderoso de todo este universo de DC.

El plantel de secundarios de la cinta está a la altura de lo esperado. Algunos son un simple alivio cómico, y otros como la Doctora Veneno (Elena Anaya) están únicamente para servir a un propósito. Pero cumplen a la perfección con su papel.
Steve Trevor, interpretado por Chris Pine, hace también un muy buen trabajo. No solo porque no regala algunos de los momentos más divertidos de la película, sino porque su química con Gal Gadot hace que nos creamos la relación que ambos establecen.

En definitiva, Wonder Woman es la película que muchos esperábamos. Es divertida, es emocionante, visualmente es increíble, y cuenta con unos personajes muy bien construidos. Pero además, es una película romántica, es una película bélica y es una cinta de superhéroes. Y en todos esos aspectos, destaca. Sin duda alguna, una de las mejores películas del género, y, por ahora, la mejor de este año.
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NOTA: 9.5

Alien Covenant

Durante una misión colonizadora, la tripulación de la nave Covenant se topa con lo que parece ser un paraíso inexplorado. Sin embargo, la realidad del planeta es muy diferente, y acaba convirtiéndose en un oscuro y peligroso mundo, cuyo único habitante es el sintético David (Michael Fassbender), superviviente de la maldita expedición Prometheus. 

Han pasado casi cinco años desde que se estrenara “Prometheus”, la primera de una trilogía-precuela de “Alien”, dirigida por Ridley Scott. Ahora llega “Alien: Covenant”, dispuesta a rectificar los fallos de su predecesora y hacernos volver al horror y suspense de las primeras cinta de este universo. Al menos, eso parecía.

“Alien: Covenant” es un híbrido: mientras que mantiene muchos elementos que se presentaron en “Prometheus”, se nota mucho ese intento por volver a lo que hizo única a la saga de Alien, el terror espacial. Sin embargo, creo que, aunque es cierto que esta nueva entrega se acerca más a ese concepto de horror que a muchos nos encantó, el punto fuerte de esta cinta no es precisamente ese.

En primer lugar, perdemos los espacios claustrofóbicos de la Nostromo, para situarnos nuevamente en un planeta abierto, pero no por ello falto de peligros. La primera parte de la película empieza muy lenta, y da la sensación de que no está pasando absolutamente nada. Vemos un poco quiénes son los personajes, qué buscan, cuáles son sus motivaciones… pero la historia no avanza con buen ritmo. Sin embargo, la llegada de David (Michael Fassbender) es el punto en el que la película arranca de verdad, convirtiendo esos primeros 20 minutos de cinta en un prólogo muy largo.

Ahora bien, tengamos clara una cosa: ni Noomi Rapace, ni Katherine Waterston. El auténtico protagonista de esta nueva trilogía es Michael Fassbender, y su increíble David. Es cierto que Fassbender interpreta también a Walter, otro androide, parte de la tripulación de la Covenant, y hace un buen papel. Pero David es quien roba cada minuto que aparece en pantalla. Es siniestro, retorcido, y a la vez divertido. Y sin duda alguna, él es el eje central de esta nueva trilogía.

Otro de los elementos que hacen de esta película una buena cinta de Alien es la aparición del xenomorfo. Uno de los fallos que, a mi juicio, tenía Prometheus, es que jamás vimos nada relacionado con los xenomorfos hasta el final de la cinta. Sin embargo, en esta nueva entrega el Alien es, junto a Fassbender, el protagonista de la película. Creo que no provoca tanto miedo como lo hacía en la primera cinta de “Alien”, pero tenerlo de regreso es un auténtico placer. En general, sus apariciones no son tan aterradoras como antes, sino que se basan en la rapidez y la ferocidad, en atacar y matar. Al final, “Alien: Covenant” es mucho más una película de acción y suspense que de terror, pero no por ello es peor.

En cuanto al resto de personajes, la verdad es que no hay mucho que decir sobre ellos, salvo el hecho de que están solo para cumplir una función: ser asesinados. Por su parte, Katherine Waterston no es Ripley, por mucho que lo intenten, pero creo que, hacia el final de la cinta, tiene algún que otro momento muy interesante, en el que demuestra tener la habilidad de enfrentar a un xenomorfo como es debido.

El guion en sí no está libre de fallos, sobre todo de algunos que podrían haberse solucionado fácilmente, pero creo que la nueva dirección que han tomado es muy interesante, y tiene mucho potencial. No hace falta abandonar el horror, ni a los xenomorfos, ya que hemos visto que eso sería un error. Pero continuar con la historia de David y sus experimentos es un camino que estoy dispuesto a continuar, puesto que me han dado motivos para estar más que interesado en lo que tienen que contar.

Al final, “Alien: Covenant” es una buena película. No es tan buena como “Alien”, pero está muy por encima de “Prometheus”. Y, nuevamente, creo que el punto fuerte de esta trilogía es David. Si Scott sigue centrándose en él, en su historia, y en sentar las bases de “Alien”, sin intentar crear otra Ripley, y sin intentar introducir más incógnitas de las que ya tenemos, puede que la tercera parte de esta trilogía acabe siendo realmente increíble.

NOTA: 8

Z, La Ciudad Perdida

Basada en la auténtica historia del coronel Percival Fawcett, la película sigue a este en sus numerosos intentos por demostrar la existencia de una antigua civilización perdida en la selva de Sudamérica. 

James Gray escribe y dirige esta cinta, protagonizada, entre otros, por Charlie Hunnam, Robert Pattinson y Sienna Miller. Una película que cuenta la historia real de un explorador, y su deseo por encontrar una civilización perdida. Y, aunque la premisa es muy llamativa, el desarrollo de la película está lejos de ser, ni tan siquiera, entretenido.

La película, que dura algo más de dos horas, no consigue atrapar la atención del espectador en ningún momento. Tenemos tres actos, claramente diferenciados puesto que en cada uno de estos tiene lugar una expedición distinta. El primer acto está bien, no se recrea mucho en la exploración, ni en los problemas que surgen a lo largo del viaje. Solo plantea la premisa que llevará al protagonista a regresar, años más tarde. Pero es en el segundo acto cuando empiezan los problemas. Para empezar, parece otra película distinta (al igual que ocurre con el último acto), y eso hace que acabe resultando muy pesado y aburrido. Y, finalmente, el tercer acto es un completo desastre. En primer lugar, tenemos unos 10 minutos de secuencias de la Primera Guerra Mundial, que perfectamente podrían haber sido eliminados de la cinta, porque no aportan nada en absoluto. Pero lo peor de todo, es que nuevamente parece que nos estén contando otra película distinta. Y es aquí cuando ya la película se hace insoportablemente larga.

Quizás uno de los principales problemas que hacen de esta cinta un despropósito es que, ni la historia, ni los mismos personajes consiguen atraparte. Para empezar, Charlie Hunnam, que interpreta a Percival Fawcett, es un protagonista muy vacío. Emocionalmente es muy difícil establecer una conexión con él, porque la actuación de Hunnam se queda en la superficie, y creo que no explora todo el conflicto emocional que el personaje atraviesa a través de toda la cinta.

Por otro lado, el resto del reparto, aunque no lo hacen mal, tampoco resultan tan atractivos como para que sean un enganche fuerte. Robert Pattinson y Sienna Miller hacen un buen trabajo, en especial esta última, ya que se convierte en el personaje más humano y con el que, quizás, se pueda establecer alguna conexión. Sin embargo, es eso, un personaje secundario. Tom Holland, quien interpreta al hijo mayor de Fawcett, Jack, tiene muy pocas escenas y tampoco destaca más que Miller o Pattinson.

“Z, La ciudad perdida” es quizás, una de las películas que más he sufrido. La historia transcurre a lo largo de 20 años, desde 1906 hasta 1925 más o menos, y, realmente parece que cuando acaba la cinta han pasado años. Cada acto es más pesado que el anterior, y no hay nada que te mantenga interesado ni por un solo momento. Hay algún que otro elemento interesante, que se podría haber explorado mucho más, como la relación padre-hijo entre Hunnam y Holland; o incluso centrarse únicamente en una de las expediciones. En general, es una película muy lenta y en ocasiones aburrida, con un reparto incapaz de mantener la atención del espectador.

NOTA: 3